피나 바우쉬는 무용의 여왕, 현대 무용의 영부인, 위대한 예술적 혁신가, 끝없는 혁신의 고향 등 아우라가 너무 많습니다. 독일 대중이 선정한 독일 500년 역사에서 가장 유명한 예술, 문화 유명인 20인 중 가슴을 가진 여성은 단 두 명뿐이다. 한 사람은 '바이올린 여신' 뮐러이고, 다른 한 사람은 피나 바우쉬이다.
베이징 괴테 인스티투트 아커만 소장은 “그녀는 독일인들에게 자신감을 주었다”며 “제2차 세계대전 이후 독일인들은 홀로 설 수 없었고 자신들의 정체성을 인식하지 못했는데 이제 우리는 자랑스럽다”고 말했다. '나는 독일인이다'라고 말해요' '사람'은 피나 바우쉬와 인연이 많아요'
올해 9월 20일부터 23일까지 중앙발레단과 발레단의 초청으로 자신의 그룹을 이끌 예정이다. 괴테 인스티투트(중국) 꽃잎 무용단이 베이징 텐차오 극장에서 '봄의 제전'과 '뮐러의 카페' 레퍼토리로 첫 공연을 가졌습니다.
피나 바우쉬와 그녀의 무용극
대부분의 중국인에게 피나 바우쉬라는 이름은 의심할 바 없이 낯설다. 67세의 아티스트는 일본, 홍콩, 대만에 가본 적이 있지만 본토에서 공연하고 싶다는 그의 바람은 수년 동안 여러 번 언급된 후에야 실현되었습니다.
중국인들에게 그녀에 대해 가장 인상 깊었던 순간을 꼽으라면 알모도바르 감독의 스페인 영화 '그녀에게 말하다'를 빼놓을 수 없다. 영화 초반에 퍼셀의
독일은 물론 전 세계적으로도 피나 바우쉬는 현대무용의 벤치마킹 인물이다. 그는 초기에 탄탄한 클래식 발레 훈련을 받은 뒤 뉴욕으로 건너가 현대무용을 공부했다. 1960년대 독일로 돌아온 뒤 독일 표현주의 거장 쿠르트 우스(Kurt Us)가 설립한 세계적으로 유명한 에센 댄스 컴퍼니(Essen Dance Company)에 합류해 공연을 펼쳤다. 주요 이벤트를 만들었습니다.
1970년대 독일에서는 무용과 연극이 융합된 '댄스 시어터' 공연 형태가 등장했다. 1973년 피나 바우쉬는 자신만의 "댄스 시어터 부퍼탈(Dance Theatre Wuppertal)"을 설립했습니다. 그 후 수십 년 동안 그녀는 "봄의 제전", "푸른 수염", "뮐러의 카페" 등을 포함한 수십 편의 대규모 작품을 창작하여 "댄스" 경력의 기반을 마련했습니다. 극장". 리더십 위치. 무용극이라는 용어는 1920년대 피나 바우쉬의 멘토인 쿠르테우스가 고전 발레와 새로운 무용을 결합하고 줄거리를 완벽하게 표현할 수 있는 무용을 만드는 것을 목표로 처음 사용했다. 그러나 피나 바우쉬는 무용과 연극의 세계에 깊은 영향을 주며, 기술이론계 전체에 충격을 주기도 한 '무용극'에 새로운 개념을 부여했다.
피나 바우쉬와의 대화
무대 밖에서의 피나 바우쉬는 67세의 나이로 그녀의 모든 움직임, 특히 그녀의 움직임에서 고귀함과 비범함을 보여줍니다. 무심코 불을 지른 담배는 우아함이 넘친다.
처음에는 얌전히 앉아 얘기하고 웃다가, 춤이 나오자 말을 하기 시작했다. 20여년 전에 작곡한 '봄의 제전' 같은 곡들도 새로운 생각을 가지고 있다고 생각한다. 그리고 잊을 수 없는 만남."
기자: 당신에게 '댄스씨어터'는 어떤 의미인가요?
피나: 무용극은 전통적인 의미의 춤이 아니다. 오히려 무용극은 무용수들이 몸을 사용하고, 심지어 가장 다양한 표현 방법을 사용하여 자신을 표현할 수 있는 무대를 제공한다. 단어를 검색합니다. 무용극은 전통적인 발레가 아니라 일상의 도구로서 '사적인', '나의' 열정을 표현하지 않으며, 전통적인 왕자와 공주의 레퍼토리를 표현하는 것이 아니라, '우리'를 서민의 '우리'의 감정으로 표현하는 것입니다. 예를 들어 우리가 움직일 때 말이나 그림으로 감동을 받는 것이 아니라 춤을 통해 직접적으로 표현할 수 있습니다. 왜냐하면 우리 자신을 움직이는 것은 역동적이고 리드미컬하기 때문입니다. 사람들은 반드시 말로만 하는 것이 아니라 자신을 표현하고 싶어합니다. 더욱이 댄스씨어터는 사람들을 감동시킬 것이며, 이 움직임 자체에는 '움직임'의 가능성이 내재되어 있다.
기자: 이번에 가져온 연극은 1970년대에 처음 공연된 작품인데 관객들이 좀 낡았다고 느낄까요?
피나: '오래된 드라마'는 여전히 발전하고 변화하고 있고 우리 작업 전체의 일부이기 때문에 '낡았다'고 생각하지 않는다. "봄의 제전"의 음악은 스트라빈스키의 작품으로, 음악의 주제에 일정한 제한이 있습니다. "카페 뮐러"는 바로크 음악가인 푸세(Pousse)를 사용하는 것과는 다릅니다. 스타일이 다르고 우리에게 더 자유로워요. <봄의 제전>에는 힘과 열정이 넘치는 무용수들이 다수 등장해 감성과 주제, 시간의 특성을 부각시킨다. '카페 뮐러'는 댄서가 6명뿐이어서 표현하기 어려운 부분이 있다. 관객이 중요하다고 느끼는 부분만 투영하면 된다. 이 두 작품을 오래된 작품으로 간주하는 것은 잘못된 일이다. 그들은 항상 현재의 작품이고 항상 변화하고 있다.
기자: 관객들의 수용에 대해 고민한 적 있나요?
피나: 관객은 자신이 중요하다고 생각하는 것을 작품에 다시 투영하고 자신이 이해한 내용을 읽어내야 한다. 보통 관객들이 스스로 생각해야 하고, 다른 사람들이 대신할 수는 없다고 생각해요. 하지만 몇 가지 짚고 넘어가야 할 점은 '뮐러의 카페'는 소외감과 외로움, 그리고 사랑에 대한 슬픔과 그리움을 표현하고 있다는 점이다. 나는 여전히 사람들이 생각하지 않고 그냥 느끼기를 바랍니다. 관객은 댄스 드라마의 일부이다.
기자: 당신의 예술적 미학적 원칙은 무엇입니까?
피나: 나에겐 미학적 원칙이 없다. 미학적 원칙이 있다면 모든 공연은 미학적 모험이다. 시청할 때 사람들은 자유롭게 생각하고 고정된 원칙은 없습니다. 물론 제가 항상 주장해 온 것은 사람들은 볼 때 생각하지 않고 느낄 뿐이라는 것입니다. 연출 과정에서 나 역시 관객으로 여기고 깊이 느끼겠다. 내 공연에 관객은 수동적이지 않고 작품의 일부이다. 관객과 무용수 사이의 관계는 단순히 지켜보는 관계가 아니다. 예를 들어 어떤 관객들은 막 사랑을 잃었을 수도 있겠지만, 구체적인 감정을 주고 싶지는 않지만, 댄서들의 움직임이 세세하게 공감될 수 있었으면 좋겠다. 시청을 통해 관객들은 어떤 감정을 불러일으키게 될까요? 이것이 내가 추구하는 것입니다. (오랜 친구 Peter Post가 추가함) 유일한 규칙은 장식적이고 아름답다고 생각되는 모든 것을 제거하는 것입니다.
기자: 무대 디자인이 작품에 미친 영향에 대해 말씀해 주세요.
피나: 무대 디자인은 댄서들에게 춤을 추는 듯한 느낌을 주는 게 굉장히 중요한데, 이런 상태가 또 다른 감각적인 매력을 가져다준다. 무대미는 단순한 장식이 아니라 공간감을 조성하고 무용수들의 행동에 영향을 미친다. 많은 도시와 협력하는 과정에서 우리는 무대미에 대한 이해를 더욱 강화해왔습니다. 나는 무대 디자이너 목사님의 견해에 매우 동의합니다. 그는 무대 디자인은 특별한 시간과 공간에서 무대 안팎의 사람들 사이의 반복할 수 없는 만남이라고 믿습니다. 그리고 우리 무용수들은 무대 곳곳에 카네이션을 뿌리고, 무대 위에 10톤의 소금을 뿌리는 등 다양한 디자인을 하기 때문에 우리 무용수들은 용기가 넘치는 사람들이라는 것을 자주 느낀다. 단 한 번도 단념한 적이 없습니다.