예술에 대한 칭찬과 찬미도 있고, 각기 다른 비판과 인식도 있기 마련이다. 예술의 가치나 존재 여부는 결국 사람들의 판단에 달려 있다. 예술과 문화의 존재에 대한 확인 자체는 세대를 거쳐 전해지며, 판단은 다양하고 동일하지 않습니다.
아름다움은 세상에 있고, 쇼는 세상에 있으며, 멈추지 않고 예술이 세상에 남아 있는 맥락을 보여주며 항상 최고를 바라고 있습니다!
그게 전부입니다. 댓글 천만에요, 감사합니다.
왕세에의 사진, 노인의 기사.
현대 미술은 광범위한 문화적 맥락에서 어떻게 자신을 확인하는가? 어쩌면 “현대미술이 어떻게 예술 그 자체의 문화적 가치를 증명할 수 있는가”라고 이해될 수 있을 것이다. 미술이 작가의 생각을 표현하고 그에 상응하는 사회현상을 반영한다 하더라도 미술은 문화의 ‘토양’과 분리될 수 없다. 시대의 미학에 부응하고 있는가, 아니면 시대가 예술의 발전에 적응하고 있는가?
중국화를 예로 들어보자. 아직도 중국화가 여전히 강력한 문화유산을 갖고 있다고 생각하는 사람이 얼마나 될까? 이제 남은 사람이 많지 않은 것 같다. 중국화는 어디로 가야 할지 고민하는 사람들이 너무 많아, 현재 중국화계에서는 감히 '중국화의 대가'라고 주장하는 사람이 거의 없다. 백석아, 더 이상 스승이 없다.” 이것은 사실이다. 현대 중국 회화는 혁신을 거듭해 왔지만, 전통 문화 유산이 사라졌다는 것은 더 이상 중요하지 않다.
원래 중국 유화는 서양 유화를 배우는 것과 같습니다. 당연히 서양 유화는 항상 "사실주의"에 중점을 두었습니다. 유화의 기초는 스케치입니다." 소위 '기초'라는 것은 유화와 마찬가지로 매우 중요합니다. '생명혈뼈'는 서양 유화가 회화계에서 항상 독특했던 이유입니다.
그러나 현대 중국 유화는 소위 '중국과 서양의 결합'기법을 대담하게 채택하고 있습니다. 어떤 사람들은 이 기법이 매우 혁신적이라고 말하는데, 어떤 중국 유화가 세계적으로 유명해졌는지 묻겠습니다. 지금까지 그림을 그리고 있는데, 루브르 박물관에는 얼마나 많은 중국 유화가 소장되어 있나요? 모든 것에서 사실을 말하게 하세요. 미술 시장은 거울을 비추는 사람이 아닌 성실하게 창작하는 예술가에게만 관심을 두는 거울입니다.
예술에는 국경이 없고 예술은 다양할 수 있지만, 이는 그렇지 않습니다. '예술은 동시에 두 가지 문화를 가질 수 있다'는 뜻이다. 마치 사람이 양복을 입고 운동화를 신는 것과 같다. 그러므로 현대미술이 폭넓은 문화적 맥락에서 자신을 확고히 하고자 한다면, 자신의 문화유산을 계승하는 기반 위에서만 혁신할 수 있으며, 예술의 상업적 가치는 억제되고 억제되어야만 한다. 상업적인 성격을 갖고 있기 때문에
현대 미술이라고 하면 모호하다, 터무니없다, 이해할 수 없다, 이해할 수 없다 등 모호하고 신비한 단어들만 떠올리는 분들이 많을 거라 믿습니다. 그러나 예술은 이래서는 안 되고, 현대미술도 이래서는 안 된다.
1. 예술의 큰 변화
1960년을 경계로 삼으면 그보다 거의 100년 전 서양 미술은 마네부터 추상표현주의까지 회화와 조각을 기반으로 했습니다. 현대 미술을 메인 라인으로. 이 시기의 미술은 현대 자본주의 산업화의 구현체로서 대중문화와 구별되며 구성, 색채, 질감, 붓질, 형태, 재료 등의 예술적 언어의 창조를 강조한다는 점이 주요 특징이다. 표현은 전통적인 예술보다 더 개인적입니다.
1960년대 이후 자본주의의 후기 산업화와 양차 세계 대전, 냉전의 영향을 받아 팝은 다다 운동과 1917년 뒤샹의 '샘'을 중심으로 미술계에 등장했다. 예술, 부수 예술, 개념 예술 및 기타 새로운 예술 현상. 예술은 개념에서 형식으로 근본적인 전환을 겪었다. 즉 전통과 현실에 대한 비판과 질문의 기치 아래 포스트모던 예술이 등장한 것이다.
현대미술은 1989년 냉전의 종식과 세계화, 정보화의 시작에서 탄생했지만, 무엇보다 현대미술과 포스트모던 미술은 미술 매체와 기술적인 형태 측면에서 여전히 유사한 특징을 많이 갖고 있다. , 미술시대의 언어와 사회적 특성은 글로벌한 사고와 보편적 가치를 더욱 강조하는 등 표현의 강도를 강화시켜 왔다. 그리고 더 많은 미디어 교차와 재구성을 추가했으며 첨단 기술과 새로운 미디어 기술을 더 잘 활용합니다.
그러나 우리가 알아야 할 것은 모던미술, 포스트모던미술, 컨템포러리 미술은 모두 분리되기보다는 중첩되고 교차하고 있기 때문에 크게 정의되는 현상이 나타날 것이다. 현대미술은 포스트모던 미술과 밀접하게 연관되어 있음에도 불구하고 근본적으로 현대미술과 현대미술의 기본원칙은 세대를 거쳐 대립하게 되었다. 예술적 품질과 미적 취향을 추구합니다. 시각적 인식, 예술적 기량 등 일반적으로 예술과 관련된 판단 기준은 현대 미술 앞에서는 더 이상 적용되지 않습니다. 대신 개념을 강조하고 예술성과 미적 경험을 반대하며 예술과 삶의 경계를 모호하게 만드는 경향이 있습니다.
2. 현대 예술가의 형이상학
예술에 대한 인간 두뇌의 지연된 인상을 제외하면 예술과 비예술을 구별하는 문제에 대한 답을 얻는 것은 더 이상 할 일이 없습니다. 비전이 개념과 이론으로 대체되었기 때문입니다.
이것은 예술 안에서 제기되는 철학적 질문, 즉 앤디 워홀의 브릴로 상자는 예술이지만 슈퍼마켓에 있는 같은 상자는 예술이 아닌 이유를 설명할 수 있습니다. 여기서 눈은 더 이상 이 질문에 대한 답을 결정할 수 없습니다. 예술과 비예술을 구별하는 것은 거의 쓸모가 없습니다. 브릴로 박스 같은 작품이 예술로 여겨지기 위해서는 미술계가 이론적인 분위기로 가득 차 있어야 한다.
예술의 철학적 경향에 대해 한때 '예술의 종말'이라는 명제를 제시했던 현대미술철학자 단토는 다음과 같이 결론을 내렸다. 무대는 점점 더 철학적 성격을 띠고 있습니다... 텍스트를 읽지 않으면 시각적인 흥미가 모두 사라진 이런 종류의 예술에서 아무것도 알아내기 어렵습니다. 취소하고 "예술은 더 이상 특별한 재능을 가진 사람이 만들 필요가 없고, 특별한 기술이 필요하지 않습니다."라는 문구만 남겨두면 됩니다. 아이디어를 표현하기 위해 예술은 인쇄물, 건물, 폐기물, 심지어 아무것도 포함하지 않는 등 다양한 형태로 제시될 수 있습니다. 이는 비전과 관련이 없기 때문에 예술적 재능이나 기술이 필요하지 않습니다. 그것은 모두 텍스트와 개념으로 귀결됩니다. 이로부터 작가는 묻지 않을 수 없다. 예술은 비전과 아무런 관련이 없으며 개념에 대해 이야기하는데, 철학에 직접적으로 호소하는 것은 어떨까요?
많은 사람들은 현대 미술 형식이 내용보다 크다고 비판하며 자신의 작품이 전달하려는 철학과 개념을 전혀 표현할 수 없다고 믿습니다. 그러나 사실은 작가가 전달하고 싶은 내용이 예술 형식의 수용 능력을 초과하고 형식의 선택이 내용과 단순히 일치하지 않는다는 것입니다. 이는 예술 작품이 형식만 있을 뿐 내용은 없는 것처럼 보이게 만듭니다.
3. 현대 예술가와 비평가의 거짓말
예술 작품의 시각 효과, 예술적 재능, 기술이 철학적 사고로 완전히 대체될 때 우리의 눈은 혼란스러워집니다. "예술성" 항목을 찾으세요. 사실 황제의 새 옷처럼 거기에는 "예술적"인 것이 하나도 없기 때문입니다. 그런 작품을 어떤 각도에서 감상해야 할지 모르겠고, 그와 관련된 텍스트를 읽고 싶을 때, 위에서 아래로 강한 굴욕감과 혼란이 엄습해 우리는 더 이상 예술에 관심을 가질 수 없게 된다. 그 주범은 예술가와 평론가들이 전시 소개문과 갤러리 게시판에 쓰는 오만하고 모호한 글들이다.
“지성, 비전, 작품의 아름다움으로 정당하게 존경받는 재능있는 아티스트를 인터뷰 한 적이 있습니다. 하지만 마이크를 아티스트의 입에 대자 모든 선명함이 사라졌습니다.
이는 전혀 드문 일이 아닙니다. 30분 동안의 절, 정성적인 설명 및 거친 은유를 듣고 나면 특정 예술가의 작업을 이해하는 데 더 이상 가까워지지 않는다는 것을 깨닫게 됩니다. 실제로는 훨씬 더 멀리 떨어져 있습니다. “윌 곰퍼즈가 『현대미술 150년』에서 말했듯이. 현대미술 실무자들이 글을 쓸 때 종종 신화에 의존하고 억지로 학문적 어휘를 만들어내는데, 이로 인해 현대미술에 관한 많은 정보가 불명확해진다. 문제는 더욱 혼란스러워지고, 이는 대중들이 현대 미술에 대해 점점 더 혼란스러워지고 혐오감을 갖게 되었으며, 현대 미술 텍스트를 읽는 데 거의 관심이 없고 심지어 본능적으로 거부하기도 합니다. 현대 미술의 작품 부족, 기술과 패러다임을 잃은 예술의 부족은 개념이 시각적, 미적 형식을 대체하고 오래된 것과 새로운 것의 구별이 따라서 신비로움은 예술가가 자신의 작품을 설명하는 일반적인 제스처가 될 수 있을 뿐입니다.
물론 독자의 지식 보유와 인지 시스템도 예술 작품을 이해하는 데 중요한 역할을 합니다. 결국 독자의 인식을 강화하는 작업은 여전히 미술 관련 실무자의 글 쓰기와 설명이 필요하기 때문에, 악순환을 피하려면 현대 예술가들이 미술을 직시하고 형식 간의 관계를 조율해야 한다. 그리고 콘텐츠, 예술의 보편적 가치에 더 관심을 기울이세요. 혁신을 위한 혁신을 피하고, 예술을 위한 예술을 만들어 보세요.
4.
21세기 과학기술의 급속한 발전과 함께 서양의 예술가, 철학자, 생태학자들은 과학기술의 진보가 인간과 자연에 미치는 피해를 다각도로 종합적으로 성찰하기 시작했다. 자연과 인간사회에 대해 성찰하고 재이해하며, 어느 정도 자연을 구하는 역할과 사회적 책임을 맡고 있는 오늘날 전 세계 예술가들이 직면한 가장 큰 문제는 다양한 각도에서 새로운 예술을 창작하게 만들었다. 종교, 철학, 미학, 심리학, 사회학 등을 통해 현대 인류사회의 보편적 가치를 표현하는 것이 진정한 의미의 현대미술이라 할 수 있으며, 그 미래는 예측할 수 없습니다. 확실한 것은 시간의 흐름과 인류의 지속에 따라 계속해서 발전하고 업데이트될 것이라는 점이다.
현대 미술은 매우 개방적인 개념으로, 다양한 예술 형태가 급증하고 꽃피우고 있다. 이는 어느 정도 전통 미술 개념에 큰 영향을 미쳤으며, 이는 더 이상 전통적인 고정 모델에 국한되지 않습니다. 현재 진행 중인 실험적이고 아방가르드한 예술은 때로는 흔적도 남기지 않고 지나가기도 합니다. >허자잉의 작품
이러한 예술 생태계에서 대중은 전통 예술 형식이 오래되고 새롭으며, 다양한 이질적인 문명과 문화의 혼합과 새로운 기술의 반복을 보고 싶어합니다. 예를 들어, 중국 회화의 서양 유화의 관점과 같은 성숙한 기술은 표현을 현대 미학에 더 가깝게 만들었고 서양 유화는 동양의 미적 경험을 바탕으로 새로운 표현을 혁신했습니다. 게다가 얼마 전 인공지능을 통해 만들어진 작품이 처음으로 경매장에 들어와 좋은 가격에 팔린 영국의 그래피티 아티스트 뱅크시(Banksy)는 자신의 그림을 자멸하면서 뜻밖에도 파괴된 그림을 다른 이름으로 재탄생시켰다. 그 가격은 심지어 그것이 파괴되기 전의 가격을 초과할 것이라는 것입니다.
가장 비싼 현대 예술가이자 '영국 미술의 대부'인 데이비드 호크니의 작품
눈부신 무대 뒤에 현대 미술은 폭넓은 문화적 맥락에서 점점 더 큰 의미를 갖고 있습니다. 따라서 활동 공간은 그 자체의 가치를 확인하는 데 있어 보다 판단적인 차원을 가지며, 문화적 가치 속성은 보다 포괄적인 특성을 갖습니다. 때로는 내부 개념의 흥분이고, 때로는 외부 인식의 흥분이며, 비즈니스 윤리에 의해 주도되는 이러한 문화적 가치는 작가 자신의 의지와는 비자발적으로 독립되어 온갖 허세로 분류되었습니다. , 예술가 자신의 고의적 인 적극적 저항은 헛된 것이며 심지어 비생산적입니다. 예를 들어 Banksy의 그림 자기 파괴가 전형적인 예입니다.
뱅크시의 자멸적 작품 전후 비교
역사상 최초의 인공지능 그림이 300만 위안에 경매됐고, 작품은 수학 방정식으로 서명됐다.
이러한 극단적인 예는 내부 개념과 외부 인식 사이를 오가며 어느 정도 자신의 가치를 확인해야 하는 현대 미술의 어리석은 딜레마를 측면에서도 보여 주지만, 현재로서는 궁극적으로 개념이 인식보다 중요합니다. 재현할 수 없는 우연성 자체가 예술의 일부가 된 것이다. 그 놀라운 역설적 반예술 행위는 우연히 현대미술에 역행하는 대안적 가치를 부여했다. 결국 현대 미술은 최종적인 역사적 위치를 확정하는 데 더 오랜 시간이 걸릴 것입니다.
현대 문화의 분위기는 다양하며, 다양한 이념이 대립하고 있으며, 다양한 전통적 문화의 경계가 허물어져 본래의 방향성을 상실하고 있다는 것이 더욱 중요하다. 다른 생각, 다른 혼란. 이 예술가들은 시대적 관점에 서 있는 사상의 선구자들이다. “트리엔날레의 많은 작품은 개념적이고 실험적입니다. 관련된 주제는 아방가르드하고 가혹하며, 각도는 실험적이고 자극적이며, 방법은 현대적이고 모호하며, 큐레이터가 선택한 대부분의 작품은 To를 위한 것이 아닙니다. 일반 관객이 '이해'할 수 있는지를 수용하거나 고려하는 것은 '예술가에게 미술품을 돌려주는 것'이다. ② 그들의 작품이 이해되지 않는 이유는 그것이 우리가 이해할 수 없거나 작가 자신이 이해하지 못할 수도 있기 때문이다. 그들은 혼란스러워하지만 이로 인해 혼란을 일으키고, 질문을 하고, 질문을 던진다. 예술적인 요구 외에도 예술적인 요구도 더 필요합니다. 예술가는 이러한 문제를 섬세한 터치로 표현할 수 있습니다.
1. 문제 분석
누군가 나에게 어떻게 물어보세요. 현대 미술은 광범위한 문화적 맥락에서 그 자체를 확인하는가?
이것은 실로 매우 날카롭고 비판적인 질문이다. 소위 '현대 미술'은 역사 속의 미술 형식과의 비교에 초점을 맞춘 반면, 소위 '광범위한 문화적 맥락'은 이를 목표로 한다. 권위와 정통성이 더 이상 주도적 역할을 하지 못하는 오늘날의 다양화된 발전 속에서 문화가 제시하는 다양성과 통합의 현장.
이 두 척도에서 우리는 이에 대한 논거를 만들 수 있습니다.
2. 예술의 두 가지 시간 척도
앞서 언급했듯이 문화적 맥락의 시간 척도는 크게 두 가지 유형으로 나눌 수 있는데, 하나는 과거사이고 다른 하나는 과거 역사의 종은 현재 현재에 존재합니다.
이는 문화적 맥락에 존재하는 두 가지 시간 척도입니다. 이 두 가지 시대적 틀에는 두 가지 존재방식이 있는데, 하나는 특정 시대에 주목하여 이를 살펴보는 수평적 관점이고, 다른 하나는 수직적 역사적 관점에서 바라보는 것이다.
무슨 뜻인가요? 예를 들어 보면 명확해질 것입니다.
예를 들어 서예 문화와 예술에 관한 한 이 두 시간 척도는 서예를 고대 서예의 역사적 전통과 오늘날 서예의 현재 상황으로 구별하는 기초가 됩니다. 이 두 시대적 규모 안에는 당나라 서예와 송나라 서예 등 특정 시기의 특정 서예 형식도 존재한다. 수직적인 것은 당, 송, 원, 명, 청대 서예의 변천과 같은 큰 역사적 규모에서 서예의 발전과 변천을 살펴보는 것이다.
다음 문제를 논의하려면 이 문제를 이해하는 것이 중요합니다.
3. 예술의 두 가지 공간적 규모
공간적 규모는 공간 속 예술의 존재를 의미합니다. 시간적 규모에 따른 역사적 유산의 관점에서 미술은 크게 동양미술과 서양미술의 두 가지 범주로 나누어진다. 물론, 중국의 전통문화를 중심으로 어느 정도 '자의적으로' 대략적인 판단을 내릴 수는 있다. 사실 서구의 부상과 함께 서구 문화와 예술은 어디를 가든 기본적으로 서구화되었습니다.
따라서 우리는 실제로 이러한 "대략적인" 구별을 할 수 있습니다.
넷째. 전통을 바탕으로 시대를 수용하고, 포용하고, 다양성을 수용한다
이 두 가지 시간과 공간의 척도를 이해하면 결론을 내릴 수 있다. 시간적 관점에서 볼 때, 전통과 역사적 사물은 우리가 문화를 발전시키고 우리 문화의 위치를 결정하는 좌표점입니다. 간단히 말해, 전통과 역사적 사물은 우리가 누구인지, 우리 문화가 어떠했는지를 알려줍니다. 그래서 전통을 잃으면 우리는 정체성을 잃습니다.
그러나 전통을 고수한다고 해서 과거를 완전히 회복할 수는 없다. 시대정신과 시대풍을 반영해야 한다. 어떤 종류의 예술이나 카테고리를 막론하고 복고풍은 결코 좋은 해결책이 아니며, 심지어 복고풍도 퇴보하고 있습니다.
공간적 규모에서 볼 때 폐쇄적이고 보수적이며, 닫힌 문 뒤에서 스스로 하는 것은 비현실적입니다. 오늘날의 글로벌화된 세상에서는 실제로 여전히 외부 세계에 대한 소통과 개방성을 강화해야 합니다. 문화는 더욱 그렇습니다. 자신의 문화적 유전자에 이성적 요소가 존재한다고 주장하면서도, 좀 더 적극적으로 시대를 수용하는 것이 더 나은 선택일 수도 있다.
5. 자신을 확인하려면 여전히 전통으로 돌아가야 합니다.
문화는 세계에 속하지만 결국에는 여전히 국가적인 것입니다. 우리 자신을 확인하는 가장 기본적인 것은 전통을 고수하는 것입니다. 우리의 속성과 위치가 변하지 않는 한 중국 문화는 변하지 않습니다. 복잡하고 다양한 가치 영향에 직면해야만 우리는 더욱 강해질 수 있습니다. 나무처럼, 가지가 무성하고 웅장해지기를 원한다면 먼저 뿌리를 튼튼히 해야 합니다. 뿌리가 튼튼하면 바람이나 파도가 아무리 커도 영양분으로 바뀌고, 그렇지 않으면 큰 나무를 쓰러뜨리는 재앙이 됩니다.
예술에 생명을 불어넣고, 전통 수공예품을 활성화하고, 전통을 되살리고, 전통적이고 우아하며 건강한 생활 방식을 복원 및 재건하여 사람들이 삶에서 예술을 느끼고 예술이 가져다주는 아름다움을 감상할 수 있도록 합니다. .
현대 문화의 분위기는 다양하며, 다양한 이념이 대립하고 있으며, 다양한 전통적 문화의 경계가 허물어져 본래의 방향성을 상실하고 있다는 것이 더욱 중요하다. 다른 생각, 다른 혼란. 이 예술가들은 시대적 관점에 서 있는 사상의 선구자들이다. “트리엔날레의 많은 작품은 개념적이고 실험적입니다. 관련된 주제는 아방가르드하고 가혹하며, 각도는 실험적이고 자극적이며, 방법은 현대적이고 모호하며, 큐레이터가 선택한 대부분의 작품은 To를 위한 것이 아닙니다. 일반 관객이 '이해'할 수 있는지를 수용하거나 고려하는 것은 '예술가에게 미술품을 돌려주는 것'이다. ② 그들의 작품이 이해되지 않는 이유는 그것이 우리가 이해할 수 없거나 작가 자신이 이해하지 못할 수도 있기 때문이다. 그들은 혼란스러워하지만 이로 인해 혼란을 일으키고, 질문을 하고, 질문을 던진다. 우리에게는 예술이 필요합니다. 예술이 필요합니다. 예술가들은 섬세한 터치를 사용하여 이러한 문제를 표현합니다.
예술을 되살리고, 전통 공예를 활성화하고, 전통을 복원합니다. 전통적이고 우아하며 건강한 라이프스타일을 통해 사람들은 삶 속에서 예술을 느끼고, 예술이 주변에 가져다주는 아름다움을 감상할 수 있습니다.
2008년 제3회 광저우 트리엔날레는 다시 한번 시각적으로나 형식적으로 사람들에게 큰 영향을 미쳤습니다. 현대 미술의 발전은 문화적 분위기와 불가분의 관계에 있으며, 그 발전은 더 깊은 기반을 갖고 있기 때문에 미술 평론가들은 현대 미술에 구현된 문화적 맥락을 점점 더 높이 평가하고 있습니다.
둘 다 예술인데 왜 이렇게 대비가 큰 걸까요? 문화적 관점과 습관적인 문화적 사고의 요인에 대한 오해가 있는 걸까요? 현대 미술은 주로 설치, 비디오, 공연 예술, 조각 등을 기반으로 합니다. 사람들의 전통 문화 개념에서 이러한 것들은 회화보다 문화적 의미가 훨씬 적은 것 같습니다. 이것이 사실입니까?
현대 문화의 분위기는 다양하고, 다양한 이념이 대립하고 있으며, 다양한 전통적 문화의 경계가 허물어지고 있으며, 본래의 방향성을 상실하는 것이 더욱 필요합니다. 다른 개념, 다른 혼란을 전달합니다. 이 예술가들은 시대적 관점에 서 있는 사상의 선구자들이다.
“트리엔날레의 많은 작품은 개념적이고 실험적입니다. 관련된 주제는 아방가르드하고 가혹하며, 각도는 실험적이고 자극적이며, 방법은 현대적이고 모호하며, 큐레이터가 선택한 대부분의 작품은 To를 위한 것이 아닙니다. 일반 관객이 '이해'할 수 있는지를 수용하거나 고려하는 것은 '예술가에게 미술품을 돌려주는 것'이다. ② 그들의 작품이 이해되지 않는 이유는 그것이 우리가 이해할 수 없거나 작가 자신이 이해하지 못할 수도 있기 때문이다. 그들은 혼란스러워하지만 이로 인해 혼란을 일으키고, 질문을 하고, 질문을 던진다. 우리에게는 미학적 요구 외에도 이러한 문제를 이런 방식으로 표현하기 위해 예술가가 섬세한 손길도 필요합니다.
광저우 트리엔날레의 큐레이터들이 전시를 기획진행 중, 아이디어의 집, 자유의 요소라는 세 부분으로 나누어 매우 세심하게 기획한 것을 보았습니다. 이 세 가지의 관계가 완전히 깨진 것은 아니지만 모두 이념의 발현이고 문화의 함축이기도 하다. 참여 예술가들이 전 세계에서 왔기 때문에 이 문화는 세계 문화관의 요소를 가지고 있습니다. 세계 문화의 뒤죽박죽은 설치, 비디오, 회화 등 세계 현대 미술의 풍부하고 다채로운 표현을 반영합니다. 그 중 사상의 집에 있는 작품 중 하나는 'WAKE IN GUANGZHOU: The History of the Earth'(WAKE IN GUANGZHOU: The History of the Earth Comprehensive Materials)라는 작품이다. 과거 광저우의 번성했던 상업지구를 파헤쳐 봅니다. 토양 샘플을 광동 미술관 정원으로 옮기고, 토양 깊숙이 묻혀 있던 휴면 씨앗을 다시 발아시켰습니다. 식물학자 Heli Jutila는 다음과 같이 썼습니다. "씨앗은 죽은 것처럼 보이지만 실제로는 여전히 살아 있습니다. 수년이 지나도, 심지어 백 년이 지나도 씨앗은 여전히 토양에서 다시 태어날 수 있습니다." 역사상 세계 여러 나라와의 항구와 무역은 종자 유입의 가능성을 무한하게 가져왔습니다. 이 작은 씨앗에 광저우의 상업문화가 담겨 있고, 이 두 개의 작은 흙 속에 광저우의 인문학과 역사가 담겨있습니다. 작품은 관람자로 하여금 역사를 되돌아보게 하고, 눈앞에 있는 것들을 역사적 관점에서 바라보고 생각하게 한다. 이 두 가지 문화적 상징은 사람들의 일상생활에서 흔히 접하지만, 사람들은 쉽게 잊어버립니다. 이 흙더미는 과거, 현재, 미래의 다양한 가능성, 온갖 우연과 필연적 만남에 대한 기념비적인 정원이다. 예술가 마리아 테레자 알베스(Maria Thereza Alves)는 작은 것에서 큰 것을 보는 표현 방식을 사용하여 예술의 주변적일 뿐만 아니라 예술 내부적으로도 특별한 심오한 문화적 의미를 구현합니다. 현대미술은 특정 문화적 배경 하에서 문화현상을 연구하는 것이며, 현대미술 그 자체가 경험이 필요한 문화예술적 현상이다.
많은 참가자들이 도구 상자를 열었고, 현대 미술은 사고방식이 되었고, 예술적 창작은 무대 앞과 뒤의 모습을 보여주었다. 이 부분의 작품은 현대 예술가의 이념을 포괄적으로 표현한 것으로 인간의 사고와 문화의 생존과 발전 상태를 깊이 탐구하고, 그러한 문화적 맥락에서 현대 미술의 미래 방향, 즉 다문화 및 이념적 발전을 탐구합니다.
그러나 선구자들의 표현 작품에는 시대적 탐구가 가득하다고 느껴지지만, 후발자들은 생각을 위해 표현하는 것인지, 아니면 표현을 위해 길을 잃는 것인지도 본다. 표현을 위해서? 작품은 돋보이기 위해 예술적이며, 개성을 위해 유사성을 피합니다. 우리는 일부 작품을 이해하지 못하고, 그 작품들은 작가들조차 이해할 수 없는 많은 혼란을 안겨줍니다. 하지만 어떤 작품들은 생명력도 없고, 사회적, 문화적 의미도 없기 때문에 우리는 이해하지 못합니다. 작가는 좋은 예술 작품은 언제나 사회를 반영하고 강한 생명력을 갖고 있어 이념적 선구자들에게 빛날 무대를 선사한다고 늘 믿어왔다.
고전은 역사와 문화에 휩쓸린 후에도 계속해서 숭배되고 있습니다. 고전을 창조하는 선구자들은 대개 이러한 섬세한 정신을 표현하고 강인한 삶을 응축하기 위해 다음 세대에 대한 경고가 될 수 있습니다. 문제를 극도로 악화시키고 비명을 지르게 만듭니다.
광저우 트리엔날레가 우리에게 주는 것은 단순한 시각적 경험이 아니라 현대 미술의 미래 발전 동향에 대한 성찰과 사회와 문화에 대한 탐구이기도 합니다. 시대가 변하면서 “예술은 더 이상 정치의 투영과 은유가 아니며, 정치의 비판과 초월도 아닐 것이다. 그리고 그래야만 예술창작이 예술 그 자체의 고유성으로 돌아갈 수 있다.” 예술 성은 점점 더 분명해지고 있으며 사회 문화와 점점 더 밀접하게 관련되어 있습니다. 각 예술가의 작품에는 개인의 특성이 있지만, 이는 그룹의 고유한 특성도 표현합니다. 그의 지혜는 그룹의 지혜와 사회적 다양성의 구체화입니다. 그룹과 함께.
광저우 트리엔날레를 통해 발전한 예술의 문화적 성격과 문화의 예술적 성격, 그리고 둘 사이의 상호 성찰이 미래 예술의 발전이리라. 그러한 방향을 버리는 것은 예술과 문화 자체가 하나의 통일된 전체이기 때문에 예술의 협소함의 심연으로 이어질 수밖에 없습니다.